Edge of seventeen: una canción, varias historias

“Edge of seventeen” forma parte de “Bella donna” (1981), el trabajo solista más destacado de la integrante de Fleetwood Mac, Stevie Nicks. Se trata de un tema que desde el riff inicial exhibe una poderosa atmósfera rockera y una contextura vigorosa y erótica otorgada por la voz particular de Stevie. Si has visto “School of rock” recordarás la divertida secuencia en el bar cuando Joan Cusack rompe las cadenas de su autorepresión y vuelve a encender su pasión musical juvenil tras escuchar en el jukebox las primeras notas de la canción.

Lo que quizás pocos se han percatado es que “Edge of seventeen” encierra una lista de sucesos y personajes asociados con la melancolía, la pérdida y la muerte, y no precisamente historias de amoríos o desvelos propios del desenfreno adolescente.

Empecemos por el título del tema.

En innumerables entrevistas, Stevie ha contado que el título de la canción surgió de una conversación que sostuvo con la esposa de Tom Petty, Jane, quien le confesó que había conocido a su rubio marido cuando ambos tenían 17 años (“at the age of seventeen”). La cosa es que Nicks escuchó mal o... vaya uno a saber qué pasó... tomó la frase como “edge of seventeen”, y ahí quedó el tema.

Pero el destino de la canción cambió de rumbo inesperadamente y al final no fue lo que Stevie había proyectado escribir en un inicio. Refiere la misma artista que la escribió teniendo en mente a dos caballeros muy importantes en su vida: John Lennon (sí, el beatle, a quien admiraba profundamente) y su tío Bill Nicks. El primero, como sabemos, fue asesinado en diciembre de 1980 justo cuando Stevie se encontraba en Australia. La mala nueva afectó a la cantante, pues se trataba de uno de sus músicos favoritos. Pero las lágrimas no cesaron y la mala racha continuaría. A los pocos días, fue su tío Bill quien falleció de cáncer. El resultado: la vocalista quedó devastada por el doble K.O.

El “White winged dove” del coro alude a un espíritu que está dejando un cuerpo cuando este ha dejado de existir. Asimismo, la figura de la paloma blanca simboliza la paz, referencia directa al tema recurrente que Lennon solía tener en su agenda. “Y (en ese momento) yo sentía una gran pena por el alejamiento de ambos de mi vida”, expresó Nicks sobre el momento que vivió al escribir la canción.

Pero hay una interpretación que ha sido muy poco abordada y que apunta a otra figura crucial en la vida de Nicks: Lindsay Buckingham (su ex). Dice en parte de la letra: “But the moment/That I first laid/ Eyes on him/ All alone on the edge of seventeen (Pero en el momento que posé mis ojos en él lo encontré completamente solo, al borde los diecisiete). Stevie nunca se ha manifestado sobre ello; solo hay que recordar que ella conoció a Lindsay por primera vez tocando la guitarra en una fiesta... y él estaba solo... y tenía 17, y ella, al borde de esa edad. ¿Será él o no?

Para terminar: Nicks solía terminar sus conciertos con “Edge of seventeen” y según sus biógrafos la presentaba casi siempre de la misma manera: "Es un momento tan privado el que comparto con la gente en esta canción".

Bonus track: Nicks contó con el apoyo de Jimmy Iovine en la producción del “Bella Donna”. Iovine y Stevie formaron una de las parejas más sonadas y flasheadas en esa época (hablamos de 1980-1981). ¿Habrán algunas líneas dedicada a él en “Edge of seventeen”?

Pete Townshend o cómo destruir guitarras para construir leyendas

Cuando Pete Townshend rompió su guitarra por primera vez, el rock había terminado de nacer. Ese grito iniciático no salió de una garganta vociferante y agresiva; estalló por accidente una noche de 1964 en el Railway Tavern, en Londres. ¿Quién detonó la bomba? The High Numbers, o lo que sería tiempo después: The Who. 

Buscando una retroalimentación de su sonido para provocar el clásico “acople”, Pete enfrentó su guitarra con el amplificador, pero lo hizo tan torpemente que el clavijero de su guitarra golpeó contra el techo del lugar, produciendo un raro sonido que sorprendió tanto al público como a los otros miembros de la banda. “Yo había roto la guitarra, y me sentí un tonto, así que lo único que me quedaba era mostrar que realmente quería romper la guitarra. Entonces comencé a destrozarla y ahí sí, apareció la reacción (del público). Y la verdad es que me dio una gran satisfacción”, contó Townshend décadas después. 

Esa noche, al bajar del escenario, el guitarrista fue recriminado por Roger Daltrey, vocalista del grupo. “Estúpido, ¿tenías que romperla toda? ¡Si todavía se podía arreglar!”, le dijo, tras lo cual le asestó feroz puñetazo en el hombro, algo muy usual entre ellos. A un costado, el bajista John Entwistle mostraba cara de espanto, mientras el batero Keith Moon sonreía de lo divertida que le había parecido la devastación. 

De ahí en adelante, este rito destructivo se convertiría en un acto obligatorio para la audiencia de The Who, y años después en el germen principal para el espectáculo de otros grupos. Ya nada sería lo mismo en el rock.

La historia detrás de "Let's dance"

Terry Roberts y Joelene King fueron los jóvenes aborígenes australianos que participaron en el recordado video de “Let’s dance”, dirigido por su mismo creador David Bowie junto a David Mallet, cerebro detrás de célebres clips como “Radio Gaga” y “I Want to Break Free”, ambos de Queen. 

Corría el mes de febrero de 1983 cuando el duque blanco llegó a la calurosa Sydney –exactamente al Carinda Hotel, al norte de Nueva Gales del Sur- mientras preparaba su décimo quinto álbum. ¿Por qué Australia? En entrevista con Rolling Stone, David dijo que su intención con el video fue hacer una manifestación política acerca de las duras condiciones de vida que padecen los indígenas en ese país. “Amo mucho a este país, pero probablemente es uno de los más intolerantes y racistas del mundo, en la misma línea que Sudáfrica”, agregó. 

Terry Roberts murió en el 2006, mientras que Joelene, con 55 años a cuestas, sigue viviendo en los suburbios de Sydney. Ella conserva muy vivos los recuerdos de la grabación del video y, mejor aún, muestra con orgullo el vestido que usó ese día que le cambió la vida para siempre. 

Black Sabbath: un día de febrero nació el heavy metal

Seguimos celebrando los grandes lanzamientos discográficos. Un día como hoy hace exactamente 46 años nació el heavy metal con este deslumbrante álbum debut del cuarteto de Birmingham, Black Sabbath. Su tenebrosa portada y sus canciones impregnadas de una atmósfera siniestra e impredescible han convertido a este disco en una inmortal influencia en músicos de todas las generaciones. En pleno día de sol y calor infernal, los chilcanos están listos para escuchar de principio a fin esta obra maestra de la oscuridad... salud, carajo!

ESCUCHA EL DISCO COMPLETO:

https://www.youtube.com/watch?v=ZwTtV9vSkI8

Glenn Hughes en Lima: "las bandas de hoy buscan sonar como las de los 70"

El exintegrante de Deep Purple y Black Sabbath, pisó nuevamente suelo limeño para beneplácito de nosotros, sus seguidores. Su misión: romper los cerebros con los clásicos de las agrupaciones arriba mencionadas, lo más destacado de su trabajo solista y de sus recientes proyectos (Black Country Communion y California Breed), pero sobre todo, causar furor con la potencia de su voz, lo que lo ha convertido en una leyenda viva del hard rock y el heavy metal.

“Estoy muy emocionado por el concierto de mañana (hoy), será muy fuerte porque marca el inicio de una nueva etapa en mi carrera como solista; será poderoso e increíble”, fue lo primero que dijo este dinosaurio que está lejos aún de extinguirse.

A poco de cumplir 64 años de edad y con casi 45 años de trayectoria en la música, a Glenn le queda suficiente aire y combustible para emprender una nueva gira que comenzará en Lima, acompañado esta vez por Doug Aldrich (exguitarra de Dio y Whitesnake) y el batero sueco Pontus Engborg.

Será la tercera vez de Glenn en el Perú (al menos oficialmente). La primera vino como parte del espectáculo Voices of Rock (2001), en tanto que en la segunda -la más sobresaliente para muchos- su garganta afilada se tiró abajo al jockey club en el show de los Rock & Roll All Stars, en el 2012.

Amable, bromista pero, sobre todo, corrosivamente sincero, Hughes considera a la década del 70 como una de las décadas doradas del rock. “Soy muy respetuoso de la generación a la que pertenezco. Los setentas fueron el movimiento de metal más espiritual, enérgico e icónico, con millones de álbumes vendidos. Eso ya no sucede hoy. Hay muchas bandas de rock nuevas que está creando sus estilos propios, pero que buscan sonar como las de los 70, como Black Sabbath, Led Zeppelin o Deep Purple”.

Glenn y Aldrich,, en Lima.

Y justamente sobre el hecho de que su exbanda Deep Purple siga siendo ninguneada por el Rock & Roll Hall of Fame la respuesta que dio a nombre de sus excompañeros púrpuras fue contundente: “¡¡We really don't give a fuck!! (nos importa un carajo)... Si los fans están molestos (porque Deep Purple aún no haya sido inducida), lo siento por ellos, pero a nosotros nos importa una mierda (...) El Salón de la Fama es un chiste. Mucha gente está jalándose los pelos porque el grupo no está, no sé, quizás el próximo año ocurra, pero yo no lo espero”.

Deep Purple: alineación del Mk-III (de izquierda a derecha):
Hughes, Paice, Coverdale, Lord y Blackmore. 

"(El Mk III) fue la alineación mas musical pero también muy ruidosa. 'Burn' es distinto al 'Machine Head', 'Stormbringer' es distinto a 'Burn'. Nosotros crecimos y crecimos. Nunca tratamos de sonar como Gillan y Glover (sus antecesores en Deep Purple). Buscamos llevar a la banda por otro viaje".

"Lo que quiero hacer en este largo tour es tocar temas de Deep Purple, ir al lado rockero de Glenn Hughes, tu sabes, Black Country Communion y cosas así. Quiero darle a los fans algo de la década de 1970 y de los 80, algo así como darles una clase de historia del rock", contó a un medio local.

Glenn Hughes presentará lo mejor de su trayectoria junto a su espectacular banda hoy jueves 13 de agosto en la Discoteca Céntrica (Cercado).

En Teleticket a S/.127 (general) y S/.191 (VIP).

Amantes del rock clásico, ¡están avisados!

Felices 56, ¡Cherati!... donde quiera que estés.

"El Che representa, ante todo, el romanticismo. Y en ese sentido, le rindo homenaje".

Feliz cumpleaños, Gustavo... 

(Fotos: revista D'Mode, 1998)

Golden Earring: "Cut" (1982)

Los Rolling Stones no son la banda más vieja del rock & roll. Golden Earring también forma parte de esa casta que en complicidad con el diablo sigue grabando discos y dando shows en vivo con un envidiable espíritu veinteañero y rebelde... pese a las canas y los achaques.

Formados en 1961 en La Haya (Países Bajos), los Earring han lanzado en sus más de cinco décadas de carrera, 25 álbumes de estudio, ocho placas en vivo y dos recopilatorios; gracias a los cuales han ganado una treintena de discos entre oro y platino por sus millonarias ventas. Se han dado el gusto de telonear a Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Eric Clapton, Santana, Rush, King Crimson y a otros tantos ‘monstruos’. Y como para demostrar al mundo que todavía hay ganas de hacer bulla y que la libido está intacta, su más reciente trabajo data del 2012 y se llama provocadoramente “Tits ‘n Ass”.

Desde sus primeras incursiones sónicas, su estilo se ha paseado por el pop, el beat, el progresivo, el heavy y el hard rock. Esta última faceta quedó plasmada en su disco de 1982, "Cut", una obra mayúscula no solo por los clásicos "The devil made me do it" y "Twilight zone", sino por las ráfagas que despliegan las guitarras y el bajo en armonía con las tarolas explosivas, contenidas en piezas menos difundidas como “Future”, "Lost and Found" y Baby Dynamite". Una placa que no da lugar a respiro y se deja escuchar como un trabajo en el que el grupo sale airoso en medio de la atmósfera invasiva del pop de los ochenta.

 

La saga de Golden Earring continúa...

- Como dato adicional: la increíble tapa del disco se titula "Cortando la Carta Rápido!" (1964) y le pertenece al profesor del MIT Harold Edgerton.

- "Radar Love”, una de las obras más aclamadas y covereadas de Golden Earring también fue tocada por un grupo nacional, Pax, y la hizo suya en sus versiones en inglés y castellano)